Come comporre un lavoro. Nozioni di base della musica

Come comporre un lavoro. Nozioni di base della musica

Creare musica o composizione è un processo creativo che dovrebbe basarsi sulla teoria della musica. La struttura del lavoro ha una chiara logica di costruzione. Alcuni capolavori di classici del mondo sono letteralmente calcolati matematicamente. Non a caso nell'antica Grecia, la musica faceva parte di un certo numero di scienze matematiche.

Un grande equivoco è l'affermazione che i grandi compositori hanno composto le loro opere sotto l'influenza dell'ispirazione. Generi della musica: Bach, Haydn, Beethoven, Mahler, Rachmaninov hanno dedicato del tempo alla composizione ogni giorno.

Questa pagina aiuterà il musicista non solo a imparare come creare musica professionale, ma anche a comprendere la terminologia di base, in particolare, utilizzata nell'analisi. I programmi necessari per la scrittura di spartiti musicali saranno smontati, verranno proposti esercizi per padroneggiare la tecnica di composizione e verrà dato un piano su come comporre un brano musicale.

Di cosa è fatta la musica?

In parole povere, la musica è una sequenza di suoni in un certo ritmo, che ha una colorazione emotiva. Molto spesso il lavoro contiene i seguenti elementi:

• melodia

• armonia

• forma

Considerare ogni concetto in modo più dettagliato.

Cos'è una melodia

La melodia è un pensiero musicale monofonico. Ci sono raccomandazioni riguardanti la struttura della linea melodica:

• Principio di equilibrio Non sovraccaricare la linea melodica. Se vuoi che l'ascoltatore ricordi rapidamente il materiale, allora è necessario osservare il principio di equilibrio. Consiste nella complementarità del sistema di ritmo e intonazione. Se il modello di intonazione include elementi difficili da percepire, come salti a intervalli ampi, presenza di melismatici, deviazioni o modulazioni e altri fattori complicanti, è necessario utilizzare un ritmo semplice. Se la melodia dell'intonazione è semplice, viene registrato un ritmo più complesso.

• Il principio dell'onda melodica. Melodia perfettamente percepita, costruita sull'alternanza del movimento verso l'alto e verso il basso.

• Unità di intonazione Il tema musicale può contenere intonazioni principali (intervalli). Vividi esempi di opere basate su una seconda intonazione sono il Requiem di Mozart (Lacrimosa), il tema principale della parte I del Concerto per pianoforte di Rachmaninov n. 2.

Vale la pena notare che la melodia non deve essere eseguita nei registri superiori, ma può anche essere nel basso o nell'altra voce.

Per scrivere una melodia veramente espressiva e bella hai bisogno di:

1. Presenta un'immagine artistica che deve essere incarnata nella musica. Porsi domande: composizione strumentale o vocale? Quale personaggio? Tutte queste domande determineranno il mezzo di espressione. In una delle sezioni dell'articolo vengono esaminati in dettaglio i mezzi espressivi.
2. Improvvisare. Gioca di più e ascolta. Molti musicisti trovano un'eccellente linea melodica solo con l'improvvisazione. Le opzioni più interessanti potrebbero non apparire immediatamente.
3. Se l'improvvisazione è difficile, prova a comporre appositamente alcune melodie coloranti emotive simili. Registrali su un registratore o su un notebook.
4. Cambia. Prendi un tema specifico della tua composizione, prova a cambiarne qualcosa, ad esempio una nota, un frammento o una chiave. Ascolta, è diventato migliore.
5. Analizza altri lavori. Nota il mezzo di espressione usato dal compositore nelle melodie che ti piacciono. Ciò contribuirà a capire ciò che suona bene e ciò che è male.

Se crei un lavoro classico, la melodia deve essere sviluppata. Esistono diversi modi di sviluppo melodico:

1. Lo sviluppo consente di suddividere il tema, oltre che di eseguirlo in sequenza (Sequenza - ripetizione coerente di materiale musicale a un diverso livello di intonazione).
2. Polifonico implica l'uso dell'imitazione canonica.
3. Variazionale consente lievi cambiamenti nella melodia, preservando l'armonia e la forma originali.
4. Il metodo della variante si basa non solo sul cambiamento della melodia, ma anche sull'armonia e, di conseguenza, sulla forma che unisce la struttura di intonazione.
5. La trasformazione del genere implica un cambiamento nel genere sottostante. Ad esempio, il tema era un genere-famiglia, e divenne un coro.

Con la complicazione del tessuto musicale ha permesso la combinazione di modi di sviluppo. Nella musica strumentale, gli arpeggi, i passaggi e altri movimenti generali della forma possono essere usati come sviluppo materiale, questo permetterà di diversificare la composizione.

armonia

L'armonia consente di combinare i suoni in consonanza, che a loro volta formano una sequenza. Gli accordi in questo senso sono rappresentati da intervalli e accordi. I turni più spesso armonici nella composizione sono caratteristici per l'accompagnamento.

In parole povere, l'accompagnamento è un accompagnamento di una melodia. Texture è definita come uno spazio pieno di suoni che ha uno sviluppo. Ci sono diversi tipi di fatturazione nell'accompagnamento:

1. Chord. La base degli accordi di trama nella presentazione ritmica.
2. Figurazioni. Ci sono armonici suoni di accordi coerenti e figurazioni melodiche - la riproduzione sequenziale di suoni di accordi con l'aggiunta di suoni non di accordi.
3. Basso di Albertiev basso ritmicamente uniformemente decomposto. In alcuni casi, percepito come una doppia voce nascosta.
4. Polifonico o polifonico ha diverse voci relativamente indipendenti.

Si consiglia di prescrivere le rivoluzioni armoniche subito dopo la melodia, sotto forma di fotocamere digitali. È importante ricordare che specifici stili storici sono caratterizzati dal loro stesso slancio. Storicamente, c'erano molte aree in questa scienza:

• barocco

• classico

• romantico

• impressionista

• jazz

• moderno

Ogni area ha un numero di regole che non è consigliabile interrompere durante la scrittura in questo stile.

La forma e il ruolo delle ripetizioni

Assicurati di rispettare il modulo. Senza questo, il pezzo andrà in pezzi. Per ogni tipo di lavoro c'è una certa forma. Il mondo della musica moderna vanta una varietà di forme, sia nella musica vocale che strumentale. I modelli più comuni sono:

• Una semplice due parti consiste di due sezioni interne, mentre nella seconda parte si ripete un piccolo frammento del primo, che si sviluppa in modo diverso.

• Un semplice ripetitore in tre parti (da capo) è composto da tre parti. In questo caso, il secondo è in contrasto con il primo, il terzo è una ripetizione del primo.

• La sonata si basa sul contrasto tonale di temi espositivi strutturalmente progettati, lo sviluppo viene eseguito nella sezione design e i temi sono combinati in una ripresa.

• Variazioni: un modello costruito su un cambiamento multiplo del tema originale.

• Il verso e il coro sono usati nella musica vocale.

La sintesi tra le forme è consentita..

Non aver paura di plasmare le ripetizioni. Il pensiero di una persona assorbe meglio le informazioni ripetitive. Nella musica classica puoi trovare un uso simile delle ripetizioni:

• Il leitmotiv è usato per opere sinfoniche o teatrali con dramma pronunciato.

• Leitteme è un soggetto che agisce come attore.

• La modellazione si ripete caratteristica di alcuni modelli di compositore.

Nella musica popolare contemporanea, anche i compositori usano attivamente le ripetizioni. Quindi il coro salva musica e testo. Nei versi, cambiano solo le parole. La musica elettronica è anche piena di ripetizioni, un esempio è la composizione che usa i campioni.

dramma

La musica si riferisce a un certo numero di arti che dovrebbero evocare una risposta emotiva da parte dell'ascoltatore. Altrimenti, la composizione musicale non sarà popolare. Quando si compone una canzone è importante ricordare il ruolo della drammaturgia. Ci sono diverse opzioni per lo sviluppo drammatico:

1. Il concetto tragico ha un conflitto

2. I testi contemplativi non hanno conflitti, prevalgono i principi estetici.

Ognuna di queste opzioni ha innumerevoli sottocategorie, quindi non ci soffermeremo su di esse in dettaglio. È importante capire che in entrambi i casi, ci deve essere un climax. Esistono diverse varietà di climax, a seconda della sua posizione nella composizione:

1. La fonte principale è all'inizio. Caratteristico per le opere liriche.

2. Il centro o il punto della sezione aurea è più popolare nelle opere dei romantici, quindi ti permette di creare un'atmosfera di tensione.

3. L'orizzonte superiore è alla fine del pezzo. Lascia all'ascoltatore un senso di understatement, incompletezza. Ha un forte effetto emotivo.

In un brano musicale, il climax è accompagnato dalle seguenti caratteristiche:

• Espansione dell'intervallo della melodia (solitamente il suono più alto dell'intero lavoro)

• Sigillo fattura

• Aumento della dinamica

Il compositore deve necessariamente pensare attraverso il climax. In un lavoro ci possono essere diversi punti culmine. Se un saggio include diversi strumenti, quindi dal punto di vista dell'arte drammatica, è necessario introdurli gradualmente per non sovraccaricare la trama.

Mezzi di espressione

Il lato contenuto della composizione consente di personalizzare i mezzi di espressività. Questi includono:

• La tonalità influenza fortemente il lavoro, alcune tonalità nella musica classica hanno il loro significato. Ad esempio: Des-dur è un'espressione di vero amore.

• Lad. Le più comuni sono le principali, che vengono utilizzate per esprimere immagini più leggere e liriche, e una minore con una tonalità più drammatica.

• La presenza di melismatika o la mancanza di ciò.

• L'inclusione di simboli musicali. Particolarmente caratteristica delle composizioni in stile barocco.

• Timbri strumentali Ogni timbro ha il suo colore e la gamma in cui suona più efficacemente.

Quando si compone un'opera, è necessario sperimentare con i mezzi espressivi, cambiando la tonalità, la modalità, aggiungendo o rimuovendo il melisma.

esercizi

Ci sono una serie di esercizi e compiti per aiutare a padroneggiare la composizione:

1. Analisi delle opere di altri compositori. Prima di scrivere un lavoro in uno stile particolare, devi vedere come i professionisti lo fanno. Seleziona per te le tecniche di maggior successo e prova a metterle in pratica.

2. Scegli un testo o una poesia con una brillante colorazione emotiva. Analizza. Prova ad improvvisare, ricreando l'atmosfera nel testo. Lo stesso può essere fatto usando immagini artistiche in pittura.

3. Scegli un modulo specifico e prova a scrivere in esso utilizzando tutte le regole.

4. Gioca scale, passaggi, accordi, cerca di modulare. Tutte le abilità pratiche sono sicuramente utili quando si compone.

5. Essere impegnati nella selezione di altri lavori musicali, ti darà una base per la formazione di un orecchio musicale, oltre a migliorare la tecnica di suonare lo strumento.

6. Migliora la tua conoscenza della teoria musicale.

Programmi per l'insieme di note durante la composizione di composizioni musicali

Sibelius 8 è uno dei migliori editori di musica che si sono dimostrati nel mercato globale del software per musicisti professionisti, compositori e arrangiatori.

Le funzionalità di questo programma includono:

• Un ampio set di modelli incorporati.
• La possibilità di impostare il markup della pagina
• Disponibilità degli strumenti necessari
• Diversi modi convenienti per impostare le note
• Funzione MIDI disponibile
• Puoi ascoltare la canzone
• Aggiornamenti costanti

Sibelius è un programma utile sia per i compositori principianti che per i professionisti.

Funzionalità simile è MuseScore 2.

Nota: in molti editori di musica moderna c'è una funzione per ascoltare il testo ricevuto, inoltre, è possibile salvare il file come una registrazione audio in vari formati. L'unico svantaggio di tali registrazioni audio è la scarsa qualità del suono, che non trasmette il timbro. Quindi, se l'autore desidera ottenere il suono di massima qualità, è necessario utilizzare un software di registrazione specializzato, come FL Studio 12, Mixcraft 8 o Audacity. La registrazione può essere eseguita sia su strumenti virtuali che utilizzando una tastiera MIDI.

Riepilogo: piano di composizione

Musica strumentale:

1. Improvvisazione e composizione della melodia;
2. Analisi della natura della melodia;
3. La scelta di una forma musicale in grado di esprimere il carattere di una melodia;
4. Sviluppo del dramma: climax;
5. Estrarre la velocità armonica nella fattura selezionata. Se necessario, l'inclusione di deviazioni, modulazioni;
6. Organizzare o istruire (se necessario);
7. Uno sguardo critico sul lavoro;
8. Regolazione (se necessario).

Musica vocale:

1. La scelta di un poema o di un testo;
2. La scelta della forma musicale;
3. Analisi dell'umore testuale;
4. Definizione di climax nel testo;
5. Scrivere la melodia vocale;
6. Creare un piano armonico approssimativo;
7. La scelta della trama che corrisponde al contenuto;
8. Estrai momenti culminanti nella musica;
9. Come disposizione necessaria;
10. Vista critica (riproduzione dopo un po ');
11. Correzione.

Spero che l'articolo ti abbia aiutato a capire come comporre un brano musicale. Provalo Migliora le tue capacità compositive. Cerca uno stile individuale. Vi auguriamo un successo creativo!